David Park y el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía

En 1949, David Park conmocionó al mundo del arte de San Francisco con una espectacular ruptura estilística. Ya no se contentaba con pintar composiciones de formas y colores abstractos, sino que se centraba en la figura humana en su entorno cotidiano. Como líder de lo que llegó a conocerse como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía (Bay Area Figurative Movement), Park, junto con sus amigos artistas Elmer Bischoff y Richard Diebenkorn, pintó paisajes y escenas de la cultura local, ofreciendo una alternativa a los expresionistas abstractos, que estaban en pleno apogeo en aquella época. Tras abrazar su nuevo tema, Park siguió utilizando colores intensos, perspectivas inusuales y un cierto grado de abstracción para crear cuadros impregnados de profundidad psicológica y misterio. Inspirado por la música jazz y amigo de los poetas de la Generación Beat, Park influiría en muchos pintores figurativos de California, incluido el artista pop David Hockney.

Para reintroducir el elemento humano en la pintura, Park recurrió a la figuración. Nunca fue un pintor fotorrealista que insistiera en la fidelidad estricta, sino que adoptó las lecciones de la abstracción para crear escenas melancólicas y atmosféricas de la vida californiana que respondían a la realidad local y se inscribían también en la tradición de la abstracción urbana europea, desde el postimpresionismo de finales del siglo XIX en París hasta la pintura expresionista de principios del siglo XX en Alemania y el norte de Europa. Como músico de jazz, muchos de los temas de Park son de naturaleza musical, pero incluso en sus obras más abstractas se percibe que los ritmos y tonos musicales nunca están lejos de su mente.

En contraste con las escenas urbanas de los pintores neoyorquinos, Park pintó la «buena vida» californiana, con sus colinas ondulantes y sus playas soleadas. En Rowboat (Barco de remos), uno de sus últimos cuadros, los remeros de Park se sientan en un remolino de marrones terrosos, verdes frescos, amarillos soleados y azules ardientes. Nancy Boas, biógrafa de Park, afirma que sus últimos cuadros intentaban «integrar a las personas, la naturaleza y la pintura». Durante la década de 1950, las figuras de Park se volvieron más suaves y borrosas, convirtiéndose en figuras nebulosas, casi oníricas. A pesar de esa tendencia a la abstracción, siguen siendo personas corrientes que realizan tareas cotidianas. Su uso cada vez más dinámico y borroso de la pintura refuerza la emoción de los personajes que representa.

Con un mínimo de medios, Park creó cuadros de gran profundidad psicológica. No sólo los individuos parecen tener una vida interior, sino que también se hacen evidentes sus distancias y conexiones con los demás y con su entorno. Las obras figurativas de David Park se expusieron por primera vez en el San Francisco Art Association Annual de 1953.

Primeros años y formación

Al igual que muchos artistas de la costa oeste de Estados Unidos de mediados del siglo XX, David Park procedía de un mundo muy diferente, el del industrioso Este. David Park nació en 1911 en Boston, Massachusetts, hijo de Mary Turner y Charles Edward Park, un pastor unitario muy respetado. El joven David encontraba la escuela aburrida y restrictiva, y sacaba muy malos resultados. Se aislaba en sus actividades favoritas: pintar, dibujar, tocar el piano, crear espectáculos de marionetas y explorar las callejuelas de Boston. Durante su infancia, David había visitado regularmente a su tía Edith Truesdell en New Hampshire, antes de que ésta se trasladara a California, y ambos se hicieron muy amigos. Truesdell, artista y profesora de arte, fomentó la creatividad de David. A los diecisiete años, Edith le llevó a California, donde se matriculó en el Otis Art Institute durante un año. Entonces comenzó su formación como artista. Luego Park se trasladó a Berkeley, atraído por el creciente número de artistas que se reunían allí. Compartió vivienda con otro joven artista, Gordon Newell, quien le presentó a su hermana Lydia. Se enamoraron y se casaron con solo diecinueve años. Lydia, con la que tuvo dos hijas, se convertirá en la compañera de Park a lo largo de su vida y desempeñará un papel clave en su éxito.

Aunque a esta edad ya no recibía educación artística formal, Park tuvo varias experiencias artísticas enriquecedoras a finales de su adolescencia y principios de la veintena que le moldearían durante años. A pesar de la Gran Depresión, la comunidad artística de Berkeley floreció. En 1930, Henri Matisse visitó la región de la Bahía de San Francisco y el joven David Park asistió a un almuerzo en el que se encontraba el eminente artista francés, quien dijo a los californianos: «Hablad menos, trabajad más». Esta filosofía desempeñó un papel decisivo en la aproximación de Park al arte. También le fascinó la visita del muralista Diego Rivera y Frida Kahlo al norte de California en 1931; su uso del color y su alegre apreciación de la naturaleza se convirtieron en fuentes de inspiración para Park. Durante este periodo, David pintó varios murales en la bahía de San Francisco y enseñó arte en escuelas. A principios de la década de 1930, realizó algunas exposiciones individuales, pero sin mucho éxito. Su pintura estaba influida por Picasso y los expresionistas abstractos de la época, y era moderadamente apreciada en círculos reducidos. Incluso abandonó brevemente la Costa Oeste para volver a Boston a enseñar, pero esta experiencia duró poco. Con la Gran Depresión y el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Park tuvo dificultades para encontrar trabajo. Durante muchos años trabajó de noche en la General Cable Company, donde se lesionó gravemente la espalda.

En 1943, Park obtuvo un puesto de profesor en la Escuela de Bellas Artes de California. Para complementar su salario, siguió trabajando en la General Cable Company a principios de la década de 1940, pero dedicó su energía y entusiasmo a la escuela de arte. Cuanto más enseñaba, más se reintegraba en la comunidad artística. En aquella época, la Escuela de Bellas Artes de California era un hervidero de nuevos talentos artísticos, tanto entre los estudiantes como entre los profesores. Park se hizo amigo y colega de otros influyentes artistas californianos, como Elmer Bischoff, Hassel Smith y Richard Diebenkorn. Muchos profesores compartían su amor por la abstracción y Park se convirtió en un miembro importante de este círculo. Llegó a tocar en una banda de jazz con otros miembros de la facultad -la Studio 13 Jazz Band-, pero Park se sentía cada vez más insatisfecho con la abstracción. Su amigo Bischoff recuerda que Park «apreciaba el expresionismo abstracto siempre que hubiera inmediatez, tangibilidad y sensualidad en la disposición de las formas, pero cuando se trataba de ‘visiones del cosmos’, no estaba de acuerdo». Profundamente inspirado por Picasso en aquella época, Park utilizó una mezcla de formas biomórficas y geométricas para construir una composición vertical de formas y colores. Como muchos expresionistas abstractos, utilizaba pinceladas gruesas y expresivas, que dejaba fluir por el lienzo.

David Park: regreso a la figuración

En 1949, David y Lydia recogieron la mayoría de sus obras abstractas y las destruyeron. Park ya no quería trabajar en este estilo; buscaba la calidez, la vivacidad y la espontaneidad que, en su opinión, debían explorarse a través de la figura. Park quería hacer una pintura que fuera «una extensión de la vida humana», que mostrara la naturaleza humana de California. Al concentrarse en la naturaleza y no en la abstracción, Park sintió que era la pintura, y no el artista, lo que se convertía en el centro de atención. Park comenzó inmediatamente a trabajar de nuevo en obras figurativas, entre ellas Ensayo (Rehearsal), expuesta en 1950 en la Artist Members Exhibition de la San Francisco Art Association en el M. H. de Young Memorial Museum, para sorpresa y consternación de sus amigos, colegas y críticos. El cuadro representa la escena de un ensayo de una banda de jazz. Las figuras se asemejan a los miembros de la banda de Park en aquel momento, la Studio 13 Jazz Band, que incluía al pintor Elmer Bischoff. Aunque no es un retrato fiel de sus compañeros de banda, el cuadro capta la calidez y la energía del conjunto. Pintada con colores ricos y cálidos y capas de pintura cremosa, la obra es muy personal, y está pintada desde un punto de vista poco habitual: desde detrás de un piano, que era la posición de Park en la banda.

Cuando Park expuso su cuadro Ensayo, la mayoría de sus colegas no se impresionaron. «Pensé que era una broma», recuerda el artista Frank Lobdell. «No se me ocurrió la idea de que alguien pudiera pasar tan radicalmente de un estilo a otro». Sin embargo, esto no pareció afectar a la confianza de Park en su propio trabajo. De hecho, en 1951, otro cuadro, Kids on Bikes (1950-51) de Park ganó el concurso anual de la Asociación de Arte de San Francisco. Dos artistas abstractos, James McCray y Glenn Wessels, concedieron el premio a Park, y Wessels señaló que «el color dinámico del cuadro parece equilibrar esta profunda perspectiva». También señaló que el cuadro era «prácticamente la única pintura no objetiva de todo el concurso anual de la Asociación de Arte de San Francisco de ese año». Este reconocimiento oficial galvanizó a los artistas, y la atención que atrajo hizo que muchos de los colegas de Park consideraran más seriamente la nueva dirección artística que proponía. Smith, Bischoff y Deibenkorn siguieron el ejemplo de Park, y los cuatro se reunían casi a diario en su estudio para pintar y conversar. Continuando el Action Painting de los expresionistas abstractos pero sin la abstracción, estos artistas precedieron al mundo libre y al jazz de los futuros Beats.

En 1952, David Park ya había entrado de lleno en el movimiento que se conocería como Bay Area Figurative Movement. Seguía representando escenas, objetos y personas corrientes con calidez y afecto; atento a lo cotidiano, Park pintaba nuevas perspectivas para abrir los ojos de los espectadores a escenas que de otro modo pasarían desapercibidas. En el cuadro El autobús, de 1952, Park utilizó una espátula en lugar de un pincel tradicional para aplicar la pintura en capas gruesas y crear el intenso amarillo anaranjado que domina el cuadro. Una mujer solitaria se encuentra junto a una parada de autobús, o quizá acaba de abandonarla. Su chaqueta de color caqui hace juego con el autobús que tiene detrás, en la magia de las coincidencias cotidianas. Las líneas verticales entre las ventanillas del autobús atraen la mirada hacia el fondo, donde hay personas sentadas continuando su viaje juntas, pero también separadas, cada una inmersa en sus propios pensamientos. El autobús celebra una alianza entre individualismo y colectivismo.

Si la Costa Oeste fue el hogar espiritual y artístico de Park en muchos sentidos, su cuadro de 1954, Escena callejera de Boston, demuestra que seguía apegado a su ciudad natal. Pero también aquí Park utiliza un punto de vista inusual y separa las figuras para que nunca lleguen a fundirse en un grupo o multitud. Sólo aceptando la figura humana en su pintura pudo encontrar una estética orgánica. Como el propio Park describió: «A medida que envejeces, te das cuenta de que eres tú mismo, de que tu trabajo no consiste en imponerte un estilo, sino en hacer lo que quieres». Volviendo a la figura, el color y la forma se vuelven más expresionistas.

En 1955, Park aceptó un puesto en la Universidad de California, en Berkeley. Allí floreció su arte figurativo y se inspiró aún más en la música jazz, mezclándose principalmente con los profesores del departamento de música y uniéndose a otro grupo de jazz. Este alegre trabajo se vio interrumpido por un dolor de espalda cada vez más debilitante. Cuando ya no pudo subir las escaleras hasta su estudio, algunos de sus amigos y colegas le construyeron un caballete para que pudiera trabajar en el salón de su casa. En 1959 y 1960 fue operado. Park estaba frustrado y enfadado, pero decidido a abandonar el hospital y seguir «pintando y luchando» el mayor tiempo posible, rodeado de su familia. En sus últimos meses, Park creó algunas de sus obras más creativas, cálidas y alegres. Por primera vez en décadas, se alejó del óleo y empezó a trabajar con gouache sobre papel. A diferencia de la pintura al óleo, el gouache debe aplicarse con rapidez y en capas bastante finas, ya que si se seca demasiado puede agrietarse. Esta rapidez necesaria permitió a Park proseguir con su profusión de ideas y proyectos para sus obras; podía producir al menos un cuadro al día, a pesar de un intenso dolor que le obligaba a una movilidad limitada. Este nuevo medio dio lugar a algunas de las obras más sencillas e íntimas de Park. El cuadro Lydia Drinking Coffee, de 1960, representa a la esposa de David, a la llamaban cariñosamente Deedee. Como en muchas de las obras de Park, el momento en que capta a Lydia es sencillo: está sentada a la mesa de la cocina tomando café. Se apoya en un codo, sumida en sus pensamientos, con la mirada perdida. Está en su mundo interior, pero es observada y amada por un ojo artístico, que la retrata en suaves y contemplativos colores mostaza y azul. Fue en los momentos más sencillos de la vida cotidiana que pintaba donde Park veía el verdadero amor y belleza.

Park siguió pintando, sentado y luego tumbado, con gouache y rotuladores. Pintó grandes lienzos y bandas de papel hasta que ya no pudo sostener el pincel. Murió en septiembre de 1960, a los 49 años. Le sobrevivieron su esposa Lydia, sus dos hijas, su padre y su tía Edith. En su diario, Edith escribió simplemente: «David murió anoche, eso es todo». La hija de David, Helen, describió más tarde la conmovedora respuesta de su tía como «decir algo que a otra persona le llevaría páginas decir». Su sencillez y humanidad eran cosas que el propio David Park apreciaba por encima de todo.

En palabras de un crítico de arte: «En cierto modo, David Park hizo las paces con la abstracción, pero tuvo que hacerlo devolviendo al primer plano la presencia humana, en toda su hermosa imperfección». En la actualidad, Park está considerado como una figura absolutamente clave en la rápida evolución del arte de la Costa Oeste después de la Segunda Guerra Mundial.

David Park y el movimiento Beat (Beat Generation)

Park formó parte, si no fue el creador, de un movimiento que unía el amor por el expresionismo abstracto con los Beats iconoclastas, rebeldes y conectados con el jazz que le siguieron. Los pintores de la Bay Area Figurative Movement eran los antepasados naturales de los poetas y pintores Beat, con su descontento por el viejo mundo; incluso compartían un espacio vital de exposiciones, la Six Gallery, que dirigía la California School of Fine Art. El poeta Allen Ginsberg presentó allí por primera vez Howl en 1955, en el mismo espacio donde David Park había expuesto con los Bay Area Figurative Painters en 1952 (entonces llamada King Ubu Gallery). Muchos beats, como el gran Jack Kerouac, se mezclaron con los pintores del Bay Area y se inspiraron en sus ideas y estilos, todos ellos originados en el decisivo momento de cambio a lo figurativo de David Park en 1949.

David Park ha unido la abstracción con algo más cálido y vivo. Sus cuadros son la creación de un hombre apasionado, rebelde y amante de la familia; muestran vitalidad y alegría de vivir, un amor por la «buena vida» californiana y la belleza de las escenas y recuerdos cotidianos. En muchos sentidos, esta imagen idealizada y ligeramente ingenua de California influyó en pintores posteriores como David Hockney, cuyas escenas de bañistas californianos, de colores brillantes y abstracción plana, son sorprendentemente similares a la obra de Park. El movimiento de Park sigue siendo muy influyente en artistas contemporáneos como Suhas Bhujbal, muy arraigado en la figuración.