Neorromanticismo después de Picasso
En la década de 1920, el neorromanticismo fue uno de los primeros movimientos de resistencia o interrogación frente a esa modernidad abstracta que se presentaba como la expresión consumada y definitiva de la visión estética y que solo se cuestionaría realmente en las últimas décadas del siglo. James Thrall Soby (1906-1979) reconoció el significado y la importancia de la iniciativa de algunos jóvenes artistas en 1935, en la única obra completa que se les ha dedicado hasta ahora, bajo el elocuente título de After Picasso. «Cuestionaron el valor de toda forma de arte abstracto, ya fuera clásico o romántico. Desde sus primeras obras se observa que buscaban abandonar la pintura no figurativa en favor de un retorno al tema y a la expresión de la emoción en el tema. Su juventud les permitía aceptar el vuelco de la tradición por parte de Picasso como un hecho consumado y ir más allá en una contrarrevolución».
A finales de febrero de 1926, la galería Druet de París expuso las obras de varios pintores jóvenes: Dos hermanos, Eugène y Léonide Berman y uno de sus amigos, Pavel Tchelitchew, los tres huidos de la revolución rusa, un hijo de la buena burguesía parisina, Christian Bérard, un joven prodigio holandés, Kristians Tonny y una mujer, Thérèse Debains, componían este conjunto. No había nada en común entre los diferentes participantes, salvo que todos habían salido de la Academia Ranson, donde habían recibido clases de Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard y Félix Vallotton.
En lo que podríamos llamar la gran historia del arte moderno, la ruptura decisiva con la figuración que marca los primeros años del siglo XX, el abandono de la construcción ilusionista del espacio, la dislocación cubista, el desarrollo del collage y el de la abstracción alrededor de 1910, marcan otras tantas etapas de un impulso irresistible que se prolongará —más allá del paréntesis de la guerra y del desplazamiento del centro de gravedad de París a Nueva York— en el expresionismo abstracto y las sucesivas corrientes de la nueva pintura estadounidense. Julien Levy, uno de los galeristas clave de los neorrománticos, fue la figura central de su introducción en Estados Unidos.
Colección privada.
Fascinación por los maestros italianos
Christian Bérard y los hermanos Berman partieron hacia Venecia en 1922 y pasaron «tres meses inolvidables» en Roma, Florencia y la Toscana. Compartían su fascinación por los maestros del Quattrocento, cuyas obras descubrieron in situ, y el «gusto por los primitivos», por citar el libro de Lionello Venturi publicado en 1926, que da plena expresión a este redescubrimiento. «Nos impresionaron mucho las obras de Carpaccio, Masaccio, Mantegna y, más aún, las de Piero della Francesca». Continuando con su impulso, los dos hermanos ampliaron sus excursiones al año siguiente hasta Orvieto, la campiña romana, Tívoli y Nápoles. Esta inspiración italiana es más evidente en las primeras obras de Bérard y Eugène Berman que en las de su hermano Léonide, que no tardaría en explorar otros caminos.
Colección particular.
Los años que siguieron al primer viaje de los dos hermanos Berman a Italia fueron los de su consagración bajo la égida del neorromanticismo, al tiempo que marcaron su separación definitiva tanto desde el punto de vista biográfico como estilístico. Un viaje a Boulogne-sur-Mer en 1929 supuso, según él mismo reconoció, un punto de inflexión decisivo en la carrera de Léonide Berman. Este viaje tuvo como efecto fijar durante muchos años su imaginación topográfica y su paleta: «Había encontrado mi tema: el mar, el espacio y la soledad. Mis pinturas de Boulogne fueron las primeras «Léonide».
Christian Bérard – Teatro y moda
Hijo único de una familia burguesa parisina, Christian Bérard (1902-1949) mostró desde muy temprana edad aptitudes para el dibujo y, en la década de 1920, pasó por la muy popular Academia Ranson en París. Allí conoció a Léonide y Eugène Berman, a Thérèse Debains y a Pavel Tchelitchew, con quienes participó en la exposición de la galería Drouet en 1926. Las primeras pinturas de Bérard se caracterizan por un contenido emocional más elevado que las de otros neorrománticos. Pinta sus figuras en un azul profundo y atmosférico derivado del periodo azul de Picasso. Las pesadas capas de pintura le dan a sus obras un aspecto sombrío y, a menudo, inquietante.
El gusto por el teatro, el transformismo y las creaciones efímeras era común entre los neorrománticos, hasta el punto de formar parte del espíritu mismo del movimiento, si no de ser el origen de sus «debilidades». El dibujo de moda o el teatro, formas de arte tradicionalmente menospreciadas por ser mixtas, compartidas y sometidas a las limitaciones y contingencias del trabajo en colaboración, parecen estar marcadas por la indigencia debido a la naturaleza efímera de su objeto; son artes de la decoración y el adorno, es decir, de la superficialidad.
Christian Bérard fue expuesto por Julien Levy en Nueva York en 1934 y en París ese mismo año. Las creaciones de Bérard para el teatro, el cine y el ballet han quedado en el recuerdo, desde La Machine infernale de Cocteau (1934) hasta L’École des femmes con Louis Jouvet (1936), pasando por Les Forains de Henri Sauguet (1945), La Folle de Chaillot de Giradoux (1945), Dom Juan de Jouvet, también en 1945, y las admirables películas de Cocteau La Belle et la Bête y L’Aigle à Deux têtes (1946-1948). Su muerte prematura y, podríamos decir, ejemplar, ya que se desplomó en los pasillos del teatro Marigny, donde estaba preparando la puesta en escena de Las artimañas de Scapin para Louis Jouvet, falleciendo el 11 de febrero de 1949.
Christian Bérard también dejó una huella indeleble en la historia de la moda, ilustrando las creaciones de la alta costura parisina en las grandes revistas de la época: Vogue, Harper’s Bazaar, L’Album du Figaro, etc.
El neorromanticismo: un movimiento efímero
Según Maurice Grosser (1903-1986), pintor y crítico del movimiento: «El neorromanticismo en la pintura se ha definido como la personalidad del pintor reflejada en el tema contemplado {…} al reintroducir la humanidad y el sentimiento personal en un arte deshumanizado, los pintores neorrománticos aportan la contribución más importante a la pintura desde las innovaciones de los grandes modernos. Aportación que ejercerá una gran influencia en la formación de la pintura de la segunda mitad de nuestro siglo».
El neorromanticismo se distingue de otra corriente con la que a menudo se le ha asimilado, el surrealismo, pero mientras que «los surrealistas toman como temas lo cruel, lo irracional y lo subversivo, los neorrománticos elegían sobre todo temas impregnados de humanidad y ternura, los sentimientos que se experimentan cuando se deja vagar la mente. {…} Sus principales defensores eran poetas: Jean Cocteau, Max Jacob y Gertrude Stein.
«En los años que siguieron a su aparición, los neorrománticos fueron rápidamente víctimas de circunstancias como la guerra o el extraordinario auge del surrealismo, hasta su desaparición del mercado: en 1935, Tchelitchew abandonó Francia para irse a Estados Unidos; en 1938, Eugène Berman se mudó a Nueva York; en 1939-1940, Léonide Berman estaba en el ejército francés; hacia 1938, Christian Bérard, su figura más destacada, había abandonado por completo la pintura de caballete para dedicarse al dibujo de moda y la escenografía teatral. El movimiento perdió así sus últimos contactos con el mercado europeo».
A los efectos de esta dispersión y de la guerra se sumaron los del desplazamiento de la escena artística de París a Nueva York a principios del siglo XX y la aparición de nuevas formas de abstracción que los neorrománticos habían erigido en su antítesis y que dominarían el mercado durante varias décadas.
Bibliografía
- Patrick Mauriès. Néo-Romantiques. Un moment oublié de l’art moderne. Flammarion, 2023
- Jean-Pierre Pastori. Christian Bérard : Clochard magnifique. Paris, Séguier, 2018
- Collectif. Neo-Romantic Master Works. New York, Gallery of Surrealism, 2005
- James Thrall Soby. After Picasso. New York, Dodd & Mead, 1935