París: centro cultural de la moda.
En la Francia de los siglos XVII y XVIII, el término «moda» no se limita al ámbito de la vestimenta, sino que también se aplica a todo tipo de cambios relacionados con el estilo de vida. La moda subraya el valor del presente, que se presenta bajo un aspecto en constante renovación. No solo obedece a las leyes del devenir y lo efímero, sino que está determinada por la voluntad de unos pocos, lo que implica que encubre intereses. Las modas afectan a casi todos los ámbitos de la vida, pero es en la vestimenta donde más se manifiestan, ya que es la forma de mostrar lo que se quiere ser. A través de la ropa se puede hacer alarde de riqueza, en particular de buena fortuna.
Jean-François de Troy, Potsdam, Palacio de Sanssouci.
«Su vestido de satén blanco {…}, así como su admirable peinado inglés, reflejan su opulencia, al igual que los rasgos perfectos de su rostro reflejan su bella alma».
El papel de centro cultural que París comenzó a desempeñar a partir de la década de 1670 se basaba en gran medida en el dictado de la moda, al que toda la nobleza europea se había ido sometiendo. La moda parisina se difundía a través de la gaceta Le Mercure galant, donde el término «galante» significaba el cumplimiento del protocolo.
París, Palais Galliera.
En la obra más emblemática de Watteau, Le enseña de Gersaint, escena de comercio y el arte del lujo, la moda, en la explosión luminosa de los satines de los vestidos y los trajes de los hombres, orquesta el ballet de la modernidad.
Escenas de género como retratos de moda
En el siglo XVIII, la vida privada y cotidiana, y con ella la ropa que la adorna, ocupa un lugar cada vez más importante en los retratos, que se multiplican, en alianza con las escenas costumbristas, donde la vestimenta cuenta más que la fisonomía. Lo único que importaba era asociar un nombre a un atuendo. Los retratos pintados por Carle Van Loo, Hyacinthe Rigaud y Nicolas de Largillierre, y por muchos otros retratistas apenas menos talentosos, son los mejores testigos de la imagen que la élite social parisina quería dar de sí misma al final del reinado del Rey Sol y bajo la Regencia.
En los retratos, la vestimenta no bastaba por sí sola para expresar toda la magnificencia con la que los retratados deseaban aparecer. En el Doble retrato de una mujer y un hombre como Pomona y Vertumno, de Nicolas de Largillierre, la mujer, personaje principal, representa a Pomona, la diosa de los frutos y los jardines, que, según Ovidio, se dejó seducir por Vertumno, el dios de las estaciones, transformado en anciana. A esta transfiguración mitológica corresponde la riqueza del drapeado de pliegues complicados de la mujer, en el que Largillierre desplegó todo su arte con el pincel y el color. Lo artificial se presenta aquí como natural.
El Retrato de un desconocido del reinado de Luis XV, de Carle Van Loo, forma parte de esas pinturas que se han convertido en icónicas tanto en la historia de la moda como en la de la pintura. El modelo viste una chaqueta con bordes florales y una bata de seda con un exuberante motivo floral, forrada de seda rosa.
Carle Van Loo, Versalles, palacio de Versalles y de Trianon.
La llegada de Luis XVI al trono de Francia en 1774 marca el inicio de la moda de los chalecos bordados. De un lujo ostentoso, los chalecos lucían delanteras de satén o tafetán de seda, a menudo decoradas con motivos florales adornados con diferentes ornamentos.
París, Palais Galliera, Museo de la Moda de la Ciudad de París.
Este género de pintura, que combina la galantería y la representación precisa de los trajes, parece haber sido inventado por las obras de Jean-François de Troy (1679-1752) y aplicarse principalmente a ellas, pero en el período Rococó, Chardin y, en particular, Boucher también realizaron obras maestras siguiendo su ejemplo.
Las comerciantes de moda en el siglo XVIII
A diferencia de otros oficios del textil, que se consideraban artesanales, el de comerciante de moda tenía la particularidad de estar considerado como un oficio artístico. El trabajo de las comerciantes de moda (marchandes de modes) consistía en adornar con diferentes telas y materiales la ropa y los accesorios del vestuario femenino. Por ejemplo, adornaban los sombreros con plumas, los vestidos con pasamanería de piel o lazos de tela. También confeccionaban algunas prendas, compitiendo con las costureras. El cuadro de Boucher ilustra un aspecto de la venta de artículos de moda en el domicilio de la clienta.
En el siglo XVIII, las comerciantes de moda constituían la élite de las profesiones textiles. Mlle. Alexandre y Mlle. Bertin se encontraban entre las más famosas de París. Para atraer a una clientela rica, la ubicación de la tienda era muy importante. Mlle. Alexandre y Mlle. Bertin lo entendieron bien al establecerse en el concurrido barrio del Palais Royal. La relación privilegiada de Mlle. Bertin con la reina María Antonieta y su corte le valió el sobrenombre de «ministra de la moda».
Versalles, palacios de Versalles y de Trianon.
París, Palais Galliera, Museo de la Moda de la Ciudad de París.
A la nobleza le gustaba visitar las tiendas más famosas de la capital, como la baronesa de Oberkirch, conocida por sus famosas «Memorias» donde da testimonio de la Europa en el siglo de las Luces, quien en 1784 acudió a la tienda de Mlle. Bertin, expresando su sorpresa ante tanta lujosa variedad: «Por todas partes se veían damascos, dauphines, brocados de seda, encajes…».
París, Palais Galliera.
El cuadro El taller de costura en Arles de Antoine Raspal nos muestra una de las escenas más singulares e importantes de la vida del siglo XVIII. En una explosión de colores, detalles y tejidos procedentes de todos los rincones de Oriente y Occidente, se representa a seis jóvenes mujeres trabajando, ocupadas en coser y adornar las prendas de la alta sociedad arlesiana.
Por otra parte, el cuadro también parece ser un testimonio de la representación de un nuevo orden, liberado de la autoridad de los maestros sastres: el de los talleres femeninos de confección y el estatus de las costureras otorgado por carta patente.
Difusión de la moda: Paseos y espectáculos
Durante el siglo XVIII, la sociedad culta se reunía principalmente en los paseos públicos y en las salas de espectáculos. Estos dos espacios se vieron especialmente favorecidos por los proyectos urbanísticos de la época. Ir al teatro era una cita casi diaria en la que se tenía la certeza de encontrarse con personas afines antes de la cena. Atrapados en este juego de miradas, se inspiraban para promocionar la moda fuera de los escenarios. Era de dominio público que las salas formaban parte del sistema de la moda. En el libro Tableau de Paris, Louis-Sébastien Mercier recomienda la visita de «la ópera en el extranjero, para conocer los cambios de nuestras brillantes modas: que las contemple en la cabeza de nuestras mujeres, no en una descripción fría e ininteligible».
La moda es entonces, como indica la historiadora Kimberly Chrisman-Campbell a lo largo de su obra Fashion Victims, un tema de interés general como lo muestra el cuadro Fiesta en el Coliseo de Watteau de Lille. Ninguna persona ni grupo social que frecuenta los teatros (especialmente los palcos) y los paseos públicos, es ajeno a ello.
conocido como Watteau de Lille, Lille, Palacio de Bellas Artes.
La omnipresencia de la escena en el universo visual de los artistas explica sin duda la teatralidad de la pintura. Sabemos que los pintores acuden al espectáculo y trasladan la forma dramática de la escena al lienzo. Además, asistir a las obras les permite participar en el juego social inherente al lugar, es decir, la observación del público; la vestimenta y las posturas de los espectadores pueden alimentar la cultura visual al igual que las obras que se representan en el escenario. El pintor François Boucher es uno de los ejemplos más famosos y su obra se caracteriza generalmente por temas representados habitualmente en el escenario, como lo demuestra su pintura de recepción en la Real Academia de Pintura y Escultura, Rinaldo y Armida.
Por otra parte, el pintor Nicolas Lancret es un espectador habitual de la Ópera y del Teatro Francés. Mientras que Jean Raoux es, junto con Nicolas de Largillierre, el iniciador de la moda de los retratos de bailarinas y actrices.
Los pintores no eran los únicos que asistían a los espectáculos, esta práctica concernía a todos aquellos que participaban en la elaboración, difusión y renovación de la moda. En algunos manuales destinados a los diseñadores de telas, como el de Joubert de l’Hiberderie, se anima a los lectores a acudir a la Ópera para ver e inspirarse en «la riqueza y el gusto de los trajes siempre cubiertos de flores, tanto de los actores como de los espectadores». También destaca la existencia de la «brillante compañía» de la Comédie-Italienne, «parte de la cual acaba de hacer gala de gran riqueza y buen gusto en su atuendo».
Burdeos, Museo de Bellas Artes.
Durante el siglo XVIII, surgieron grupos sociales que reunían a la antigua aristocracia, la nueva nobleza y la alta burguesía, lo que facilitó los intercambios, aunque a veces no sin dificultades. Las estrategias para «mostrarse» en sus retratos y atuendos utilizaban las mismas distinciones simbólicas y la misma comunicación social para consolidar los linajes antiguos o, por el contrario, los éxitos más recientes.
Bibliografía
- Gilles Lipovetski. L’Empire de l’éphémère. Paris, Éditions Gallimard, 1987
- Thomas E. Crow. La Peinture et son public à Paris au XVIIIe siècle. Macula, 2000
- Christophe Leribault. Jean-François de Troy (1679-1752). Paris, Athena, 2002
- Collectif. À la mode. L’art de paraître au 18e siècle. Snoeck, 2021
