Currin y la exploración de la vanidad
Desde la década de 1990, John Currin se ha consolidado como uno de los mayores provocadores del mundo del arte, moviéndose en la delgada línea que separa el deseo del rechazo. Su obra, que combina una formación inicial en pintura clásica con un gusto decididamente americano por lo absurdo inherente al kitsch, presenta retratos figurativos, a menudo desnudos, que reflejan la desviación de nuestra cultura, obsesionada por la belleza y la perfección. Aunque a menudo se le acusa de tener tendencias misóginas debido a sus inquietantes temas, él sostiene que sus obras pretenden ser referencias satíricas al bombardeo incesante de la sociedad sobre ese «ideal» inalcanzable que se nos impone a través de la historia del arte, los medios de comunicación, la publicidad y el papel couché de las revistas. Esta exploración de la vanidad sigue inspirando su obra en la actualidad.
El uso que hace Currin de pinceladas gruesas en un rostro situado en medio de un plano aparentemente homogéneo, o de tonos más oscuros en medio de una piel más pálida, deja entrever la morbosidad subyacente que expresa nuestro deseo de perfección.
A primera vista, las pinturas de Currin pueden parecer representaciones figurativas realistas de la belleza, pero al observarlas más de cerca, algo no cuadra. Una parte del cuerpo parece más grande que las otras, que por lo demás son simétricas; el cuello de una bella mujer puede alargarse de forma desmesurada; o bien, un desnudo femenino resulta ser lo suficientemente maduro como para ser nuestra abuela. El placer del voyeurismo se transforma en malestar y se nos invita a reflexionar sobre las motivaciones iniciales de nuestra mirada.
John Currin, Colección particular.
Al combinar figuras clásicas de la belleza, como el desnudo recostado del Renacimiento, con imágenes contemporáneas como las que se encuentran en la prensa erótica y las revistas de moda femenina, Currin sugiere que nuestra fascinación por la vanidad es eterna.
Infancia y formación
John Currin nació en Colorado en 1962; su padre era profesor de física y su madre, profesora de piano. Era el tercero de cuatro hermanos. Poco después de su nacimiento, la familia se mudó al norte de California, instalándose primero en Palo Alto y luego en Santa Cruz. Finalmente se trasladaron a Connecticut cuando él tenía diez años. Durante su adolescencia en Stamford, Currin asistió a clases de arte con un pintor ruso de formación clásica llamado Lev Meshberg. En 2007, habló de su antiguo mentor en la revista New York, declarando: «Pintaba con él los fines de semana desde los catorce años. Tenía uno de esos talleres completamente románticos, con un pájaro enjaulado y viejos libros polvorientos. Aprendí a sujetar una paleta, a exprimir la pintura del tubo. En la escuela de arte no te enseñan realmente ese tipo de cosas. Hacen todo lo que está en su mano para acabar con el encanto de todo el proceso».
Más tarde, John Currin estudió en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh, donde se licenció en Bellas Artes en 1984. Inmediatamente después, cursó un máster en Yale, donde entabló amistad con la pintora Lisa Yuskavage y el artista conceptual Sean Landers. Currin declaró más tarde sobre este último: «Con Sean, nuestros trabajos eran muy diferentes en cuanto al estilo. Él hacía esos dibujos, cartas ficticias dirigidas a su asesor bancario en blocs de notas amarillos; son realmente extraños, y siempre me han encantado. Eso me inspiró, porque yo estaba tratando de encontrar mi estilo. Sean encontró el suyo propio mucho antes que yo».
Colección particular.
John Currin obtuvo su máster en Bellas Artes en 1986: «Creo que mi tesis consistió en copiar a De Kooning y a Julian Schnabel. Empecé, o mejor dicho, me admitieron en Yale copiando a De Kooning, y luego terminé mis estudios en Yale copiando a Schnabel». Afincado en Nueva York, el año 1989 marcó su primera gran exposición, con una serie de retratos de chicas jóvenes inspirados en fotos extraídas de los álbumes de fin de curso de los institutos. En aquella época, ya había desarrollado un estilo figurativo característico y kitsch, centrado en representaciones atrevidas de mujeres y hombres, inspirándose en fuentes como Playboy y Cosmopolitan. Este tema enfrentó a Currin con las obras de arte más comprometidas políticamente de la época.
Colección particular.
En 1992, John Currin vendía sus obras en la influyente Andrea Rosen Gallery y se había consolidado como un artista de éxito tanto a nivel crítico como financiero. Currin y Rosen mantuvieron una breve relación sentimental en esa época y, aunque finalmente se separaron, él siguió exponiendo sus obras en la galería durante otros diez años.
Etapa de madurez
John Currin conoció a su esposa, la artista Rachel Feinstein, en 1994, cuando ella llevaba seis semanas viviendo en una casita de madera inspirada en el cuento de La Bella Durmiente, instalada en una galería de Nueva York. Un amigo común le había dicho a Currin que Feinstein se parecía a algunas de las mujeres de sus cuadros, con su figura alta y esbelta y su melena prerrafaelita. Se comprometieron dos semanas después de ese encuentro y se casaron tres años más tarde. Feinstein se convirtió también en su musa, posando para muchos de sus cuadros. Han trabajado juntos en varios proyectos creativos y ahora se les considera una «pareja de poder» en el mundo del arte.
Foto de Jonathan Becker, 2003
El retrato The Penitent, que representa a la esposa y musa del artista, retoma un vocabulario artístico admirado en la historia del arte que pone en escena a la penitente María Magdalena, un tema que ganó popularidad a finales del siglo XVI en Italia. En su interpretación del tema, Currin se aleja de manera inusual de sus pinturas más explícitas y provocadoras: su mujer está completamente vestida con una sudadera holgada de cuello redondo, su expresión es ambigua, oscilando entre un aburrimiento lánguido y una espera teñida de malicia. Combinando un realismo incisivo con un trasfondo lánguido arraigado en lo absurdo de la imaginería religiosa, esta obra encarna lo mejor de la evocación formal que hace Currin de las corrientes ocultas y las peculiaridades que impregnan las convenciones sociales desde los albores de la civilización humana.
Colección particular.
Currin atribuye a Rachel el cambio de estilo en su obra. Declaró a The New Yorker en 2008: «Con Rachel, comprendí que podía diferenciarme de los demás simplemente adoptando una actitud alegre en mi trabajo. En la escuela de arte, quería ser intenso, como Francis Bacon, pero no lo soy: soy mejor cuando soy divertido y alegre».
Las obras de Currin suscitaron numerosas polémicas a lo largo de la década de 1990, y muchos críticos las tildaron de sexistas y misóginas. Un crítico de The New Republic afirmó: «Su obra es tóxica: es contaminación artística». Sin embargo, Currin siempre ha sostenido que su arte ofrece un comentario satírico sobre la percepción de la mujer en la cultura contemporánea. A pesar de las controversias que rodean su obra, su reputación siguió creciendo y, en 2003, sus pinturas se vendían a «precios que alcanzaban cientos de miles de dólares».
Colección particular.
John Currin y el manierismo
Al ser preguntado por los antecedentes históricos de algunos de sus cuadros, John Currin demuestra su habitual apertura de espíritu al explicar: «Siempre me ha gustado ese grupo de manieristas formado por Pontormo y Parmigianino. Creo que pensaba mucho en cuadros como estos». De hecho, los largos cuellos estirados de las mujeres y las expresiones faciales inusuales confieren a ciertas composiciones un aspecto a la vez extraño y familiar que puede remitir al Renacimiento italiano. En el gran cuadro Thanksgiving, realizado en 2003, se evoca la elegancia y la delicadeza de los detalles del manierismo del siglo XVI. El cuello alargado de la mujer del centro se inspira indudablemente en La Virgen del cuello largo del pintor manierista Parmigianino.
Aunque el título del cuadro Dia de Acción de Gracias hace referencia a una fiesta americana, la vestimenta, el mobiliario y el estilo general se inspiran más claramente en la pintura renacentista europea. La suntuosa estancia está adornada con un espejo de plata dorada, columnas corintias y una lámpara de araña. En la mesa hay una variedad de objetos dignos de un bodegón holandés: un enorme pavo crudo, un racimo de uvas, una cebolla, un plato blanco y un jarrón con flores (que contiene tanto rosas marchitas como rosas de colores vivos, en la línea del bodegón). Al carecer de cualquier imaginería sexualizada, este cuadro marca una clara ruptura con las obras que han dado fama a Currin, aunque la imagen recuerda el impulso constante al consumo —tanto de alimentos como de productos de lujo— que impregna la cultura americana contemporánea. Además, el cuadro ofrece una interpretación algo inquietante y perturbadora de un tema que recuerda a Freedom for want de Norman Rockwell.
La obra del artista es un diálogo fascinante entre la cultura contemporánea y la clásica, que mezcla con soltura la pintura con las revistas populares y las modelos, al tiempo que deforma el cuerpo femenino. Es evidente la influencia de Cranach y del manierismo italiano, especialmente en los retratos femeninos. En Skinny Woman, Currin mezcla la estética de las revistas de moda populares con la de las pinturas del Renacimiento europeo.
New York, Whitney Museum of American Art.
La imagen de esta mujer no está tomada de la vida real, ni pretende representar a una persona concreta. Como explica Currin: «Las personas que pinto no existen. Lo único real es el cuadro. No es como una fotografía, en la que hay otra realidad que existió en un momento determinado del pasado. » Sin embargo, el cuadro desafía las expectativas sobre los tipos físicos de mujeres considerados sujetos apropiados para el arte (o incluso para la publicidad). El rostro y la postura – que recuerda el contrapposto manierista – majestuosos de esta mujer son sorprendentes y cautivadores, lo que lleva al espectador a cuestionarse los criterios de belleza particularmente restrictivos que propugna la cultura contemporánea.
Último periodo
La popularidad de John Currin no deja de crecer, en paralelo a —y quizás a pesar de— su voluntad de romper con los códigos de la sociedad. Sus obras recientes mezclan la influencia de la pintura nórdica del siglo XVI con las chicas pin-up de la cultura pop y la cultura pornográfica de Internet, cuestionando las fronteras entre lo bello y lo grotesco. Volvió a defender su recurso a fuentes controvertidas en la revista New York en 2007, afirmando: «No es una estrategia de impacto. En todas las escuelas de arte del mundo hay un tipo que hace porno. Como táctica de impacto fallida, me parece bastante interesante».
Colección particular.
Los retratos satíricos de John Currin abordan tabúes sociales y sexuales muy sensibles mediante técnicas pictóricas clásicas de una ejecución impecable. Esta crítica mordaz e irónica de las tradiciones ha aportado un toque de humor a un género histórico que suele ser muy solemne. Su exploración de las normas culturales que rodean la feminidad y la belleza ha influido en numerosos artistas, entre ellos Cindy Sherman, cuyas fotografías ponen de relieve la naturaleza performativa de la feminidad en la América contemporánea. Su influencia también se refleja en los retratos minuciosamente detallados, aunque visualmente inquietantes, de Sarah C. Ferguson y de su antigua compañera de Yale, Lisa Yuskavage.
