El modernismo de Félix Vallotton.

Aunque nunca alcanzó la fama de algunos de sus contemporáneos vanguardistas, pero desarrollando su propio estilo, a Félix Vallotton (1865-1925) hoy se le considera uno de los artistas más originales de su época. Su estatus se basa en una obra que incluye retratos, grabados satíricos, escenas de interiores, paisajes y naturalezas muertas. Sus primeros grabados llamaron la atención de Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, que le invitaron a unirse al grupo de los Nabis. Aunque nunca llegó a establecerse realmente como miembro de los Nabis, su afiliación al grupo le puso en contacto con un círculo de bohemios literarios. A través de estas nuevas asociaciones, pudo forjarse un camino más singular que le dio fama con una colección de xilografías satíricas para revistas vanguardistas de izquierdas. A medida que su carrera evoluciona, Vallotton dirige cada vez más su serena mirada hacia la pintura, transfiriéndole la técnica de sus grabados, su visión distintiva que ofrece un sutil equilibrio entre realismo y simbolismo, permitiendo que muchas de sus obras de madurez transmitan una palpable sensación de inquietud psicológica.

Félix Vallotton fue famoso por un álbum de 10 grabados titulado «Intimités», una colección de viñetas domésticas que representaban relaciones íntimas entre parejas de la burguesía. Al revelar las costumbres prohibidas de la vida privada burguesa, Vallotton, según historiadores como Merel van Tilburg, puso el arte en consonancia con la literatura de finales del siglo XIX, del mismo modo que los comentarios sobre los impulsos ocultos de la psique humana anticiparon el inminente nacimiento del psicoanálisis. Al crear algunas de las imágenes más satíricas y visualmente distintivas de la vida parisina de fin de siglo, Vallotton se ganó el título de mayor grabador de su generación. Se le atribuye la revitalización del arte de la xilografía, inspirándose en la tradición de las xilografías japonesas Ukiyo-e de artistas del siglo XVIII como Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige, para crear mordaces narraciones políticas cuyo efecto se veía realzado por el audaz contraste de la tinta negra sobre el papel blanco.

La Royal Academy de Londres le calificó de «pintor de la ansiedad». Un título que Vallotton habría apreciado, ya que prefería pintar a «personas sensatas, pero que tienen un vicio oculto en lo más profundo de su ser»… un estado de ánimo, admitía de buen grado, «que comparto».

Felix Vallotton: Infancia y educación

Félix Edouard Vallotton nació en 1865 en el seno de una modesta familia protestante que vivía en Lausana, a orillas del lago Lemán. El padre de Félix, Alexis, regentaba una tienda de ultramarinos y bricolaje, y más tarde se haría cargo de la dirección de una fábrica de chocolate. Su madre, Mathilde, procedía de una familia de fabricantes de muebles. El joven Félix era un niño delicado y sensible y, a causa de las epidemias de viruela que asolaron Europa, pasó largas temporadas encerrado en la casa familiar. Además de las asignaturas escolares, entre ellas griego y latín, se aficionó al dibujo y la pintura (una pasión sin duda alimentada por estos periodos de confinamiento prolongado) y recibió clases extraescolares de dibujo con el pintor Jean-Samson Guignard. En estas clases demostró por primera vez su talento precoz para representar temas con una precisión asombrosa.

Después de graduarse en el Collège Cantonal en 1882, Vallotton, de dieciséis años, convenció a su padre para que le llevara a París a aprender más sobre la carrera de pintor. Había aprobado el examen de acceso a la École des Beaux-Arts, pero en su lugar optó por la prestigiosa Académie Julian, más relajada, porque hacía hincapié en el «arte real» y el «naturalismo» y ofrecía cursos de litografía y otras formas de grabado. Vallotton estudió con tres grandes pintores figurativos franceses: Jules Joseph Lefebvre, Guillaume Bouguereau y Gustave Boulanger. Vallotton pasaba gran parte de su tiempo libre en el Louvre y le fascinaban las obras de los maestros del Renacimiento, así como Goya, Manet e Ingres. Durante su estancia en la Academia, Vallotton entabló amistad con el grabador polaco Félix Jasinski y con el pintor y grabador Charles Maurin. Vallotton pintó el retrato de Jasinski y éste le devolvió el favor enseñándole el arte del grabado. Los dos hombres trabajarían juntos en muchos proyectos futuros.

Primer periodo

En 1887, Félix Vallotton se distanció de la Académie Julian después de que sus retratos realistas fueran criticados por su antiguo partidario, Lefebvre. A pesar de su educación conservadora en Suiza y de la restrictiva falta de fondos, se sumergió en la vida parisina. Maurin había introducido a su amigo en los ambientes bohemios de Montmartre, donde conoció a Henri Toulouse-Lautrec en el cabaret Le Chat Noir. Vallotton se trasladó al barrio de artistas de Montparnasse, donde se influenció de Toulouse-Lautrec y de la bohemia parisina. Para llegar a fin de mes, empezó a vender grabados de dibujos que había hecho de Rembrandt y Millet, trabajó a tiempo parcial como restaurador en una galería de arte y, en 1890, empezó a escribir críticas de arte para la Gaceta Suiza de Lausana (puesto que ocuparía hasta 1897). Su aventura parisina se vio interrumpida por una fiebre tifoidea, seguida de un periodo de profunda depresión, que le hizo regresar a Suiza para recargar las pilas. En 1892, Vallotton conoció a la modista francesa Hélène Chatenay, con quien mantuvo una relación hasta 1899. También ganaba dinero con los encargos de retratos. Muchos de sus encargos parisinos los consiguió por mediación de expatriados suizos que vivían en la capital francesa. Uno de estos amigos era el artista suizo Ernest Biéler, que convenció al tambien pintor suizo Auguste de Molins para que escribiera una carta de presentación en nombre de Vallotton a Renoir y Degas.

El cuadro La Malade, de 1892, tiene tanto la claridad vívida y la composición formal de un cuadro de los antiguos maestros holandeses como la atmósfera de una obra de teatro. Una criada lleva una copa a la mujer enferma que está de espaldas al espectador -para la que posó la amante de Vallotton, Hélène Chatenay. En la pared cuelga un grabado de la Virgen con el Niño de Gustave Doré. El cuadro está claramente enraizado en las tradiciones del realismo, pero hay algo extrañamente desconcertante en él. La criada parece posar para el artista en lugar de atender a su paciente, y la curva de la alfombra y el biombo que invade la izquierda contribuyen a su carácter inquietante y claustrofóbico. La Malade es tal vez la expresión final del primer realismo de Vallotton, antes de introducir en su pintura el estilo simplificado que ya experimentaba en sus xilografías.

El catálogo de obras de Vallotton empezó a incluir sus grabados a partir de 1887 y, en una carta dirigida a sus padres a finales de 1889, les comunicaba que había empezado a trabajar por encargo para un editor. Se ganaba bien la vida con su trabajo de grabador, y en 1891 sus xilografías superaban el número de pinturas que figuraban en su catálogo personal, centrado en la sátira social y los interiores confinados.

Periodo de madurez

Félix Vallotton creó las obras de este periodo retratando una ciudad que se lanzaba de lleno a la modernidad, lo que había suscitado sentimientos de desilusión y malestar, sobre todo entre la clase burguesa conservadora. En un momento en que se prestaba tanta atención a la nueva cara de la ciudad, Vallotton tuvo la clarividencia de dirigir su atención a los mundos interiores. Como señaló un crítico de arte, «para Vallotton […] las escenas de interior parecen subvertir nuestra expectativa de control, de estar “en casa” en la propia residencia. En lugar de posar, mirar al lienzo y sentarse firmemente para un retrato, a los burgueses de las imágenes de Vallotton les pilla desprevenidos, sin pose y sin preparación. Se les capta en medio de una conversación, una cita o un engaño. Su mundo interior está hecho de mentiras, tensiones y desconexiones. Vallotton parece utilizar el espacio interior como un escenario en el que adentrarse en el suntuoso despliegue de riqueza y gentileza de la sociedad parisina. Sugiere que detrás de las muestras cuidadosamente orquestadas de la vida burguesa se esconde una realidad dislocada, perturbadora y fracturada».

Gracias a su creciente dominio del grabado en madera y a su agudo sentido del estilo gráfico, Félix Vallotton se convirtió en un artista muy solicitado por una nueva ola de revistas francesas, deseosas de reclutar a un artista que compartiera sus simpatías liberales, a veces anarquistas. Revistas como Le Courrier Français, Le Rire, Le Cri de Paris y L’Escarmouche pagaban bien a su ilustrador estrella por sus ilustraciones ácidas e ingeniosas. Vallotton también expuso en el inimitable Salon de la Rose-Croix, una galería dirigida por una asociación de seguidores de los Rose-Croix que rechazaban el arte clásico y a los impresionistas en favor de sus propias preferencias espiritualistas y simbolistas. Aquí expuso su retrato en madera del poeta Paul Verlaine (que estaba presente), uno de los muchos retratos literarios que pintó de personalidades como Poe, Dostoievski, Stendhal y contemporáneos como Mallarmé y Rimbaud. Sin embargo, Vallotton no se integró fácilmente en el grupo y sólo expuso con ellos una vez.

En abril de 1898, Félix Vallotton expuso en la galería de Ambroise Vollard, el influyente marchante que apoyó a Cézanne, Renoir, Picasso y muchos otros artistas emergentes. Al año siguiente, la vida de Vallotton experimentó un gran cambio cuando se casó con Gabrielle Rodrigues-Henriques, viuda y madre de tres hijos, hija de Alexandre Bernheim, destacado fotógrafo y marchante de arte. En una carta a su hermano, escribió: «Una gran noticia que realmente te sorprenderá: me caso. Me voy a casar con una señora que conozco y me gusta desde hace mucho tiempo […] Tiene medios suficientes para mantenerse a sí misma y a sus hijos, y con lo que yo podré ganar, saldremos adelante muy fácilmente. Además, la familia se ocupará de los niños y estoy seguro de que me ayudará mucho en mi carrera. Son importantes marchantes de arte».

Vallotton, al no depender ya de las ilustraciones de revistas para sus ingresos, el crítico Julius Meier-Graefe observa que «la pintura es su fase final» y que sus xilografías pueden considerarse como un «periodo preparatorio» durante el cual «exploró todo lo que ahora deseaba incorporar a su pintura». Tras dejar atrás su vida bohemia y volver a un estilo más cercano a su educación, Vallotton se convierte en miembro de una familia de la alta burguesía francesa, a la que había atacado anteriormente, y sus cuadros se pueblan ahora con los personajes de su nueva vida. Con su nuevo estatus llegó el esperado auge de su fortuna artística. En 1903, Vallotton expone en la Secesión de Viena y vende varios cuadros. Ese mismo año, el gobierno francés compra por primera vez una de sus obras para el Museo del Luxemburgo. Su matrimonio también le dio acceso a una de las galerías más importantes de París, la Galerie Bernheim-Jeune, propiedad de la familia de su esposa donde hizo dos exposiciones individuales, durante las cuales vendió un total de 13 cuadros.

Pese a las malas críticas, el gobierno francés ofreció a Vallotton la Legión de Honor en 1912, que rechazó (como Bonnard y Vuillard antes que él). Dos años más tarde, cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se le consideró demasiado viejo para servir. ¡Vallotton, profundamente afectado por las noticias sobre la devastación y la pérdida de vidas humanas, volvió en 1915 al grabado en madera para una serie titulada C’est la guerre! (¡Es la guerra!), su última serie de grabados. A petición del gobierno francés, recorrió los campos de batalla de la región de Champaña y pintó los efectos destructivos de la guerra en edificios civiles e iglesias. En 1917 también publicó un ensayo, Art et Guerre, en Les Écrits nouveaux, en el que describía las dificultades de captar la realidad de la guerra a través del arte.

Félix Vallotton: La Visita

En la suntuosa escena doméstica del cuadro La Visita (1899), Vallotton ofrece una visión de un momento privado, tal vez un encuentro clandestino entre un hombre y una mujer en un salón parisino. Las marcadas verticales y horizontales de la sala dan la impresión de un decorado teatral. El tapizado de terciopelo de los muebles se repite en los contornos del abrigo de la mujer, mientras que una sombra sinuosa se extiende desde el negro del traje del hombre hasta la pared. Una puerta se abre a otra habitación, probablemente un dormitorio contiguo, sugiriendo las intenciones de la pareja. La Visita es una de las muchas imágenes que Vallotton pintó de momentos íntimos entre hombres y mujeres, a veces en restaurantes, a veces en el teatro, y que a menudo sugieren seducción o coacción, pero rara vez romance o amor. Un crítico, Octave Mirbeau, describe cómo «los personajes no se contentan con sonreír y llorar, hablan […] expresan su humanidad y el carácter de su humanidad con fuerza, con la elocuencia más conmovedora, cuando es Monsieur Vallotton quien les oye hablar». El propio Vallotton habla de algo misterioso que acecha bajo la superficie de su pintura: «Creo que pinto para gente sensata pero que tiene un vicio oculto en lo más profundo de su ser», afirma. «De hecho, me gusta este estado que comparto.

Félix Vallotton: El Balón

El cuadro El Balón es una de las obras más conocidas de Félix Vallotton, y fue realizada cuando aún pertenecia al periodo Nabis. En efecto, la vista de pájaro de personajes en parques, jardines y otros lugares públicos es una característica de los cuadros de Bonnard y Vuillard. Sobre este tema, Vallotton ofrece una vista alta de un niño cuyo rostro está oculto por un sombrero amarillo de ala ancha adornado con una cinta roja, bajo el cual se escapa una mata de pelo rubio. Las botas del niño son de un naranja apagado, mientras que la blusa blanca se desliza al viento detrás de él, acentuando el ritmo de carrera al que persigue la pelota roja. Contra la extensión leonada del suelo y la profunda sombra proyectada por los árboles (bajo los cuales se encuentra lo que parece ser una segunda pelota marrón claro), el niño añade un toque de luz brillante, como si le persiguiera la sombra oscura. Al otro lado del lago, nuestra mirada se dirige hacia dos figuras pálidas, una vestida de azul y la otra de blanco. El pequeño tamaño de las dos mujeres sugiere que se encuentran en un segundo plano, pero el plano del cuadro es plano y frontal, interrumpido por la curva diagonal del lago.

Como la mayoría de los Nabis, Vallotton admiraba las xilografías japonesas y adaptó muchos de sus temas y convenciones estilísticas. Pero, a diferencia de las imágenes de jardines públicos de Vuillard y Bonnard, Vallotton no decora cada vista con motivos ornamentales. Redujo los elementos visuales en lugar de aumentarlos, y alisó la pintura para convertirla en un paralelismo material con la realidad. Este juego solitario de pelota era un placer urbano para los vástagos de la burguesía, y es difícil imaginar un pasatiempo menos bullicioso o agradable.

Los paisajes de Vallotton

En los últimos años de su vida, Félix Vallotton se retiró de la vida pública por problemas de salud. Sin embargo, siguió pintando, sobre todo paisajes y naturalezas muertas. Creados en el estudio a partir de bocetos y fotografías, los paisajes tienen una tranquilidad casi hipnótica. «Me gustaría poder recrear paisajes utilizando únicamente la emoción que me han provocado», escribía el artista en 1916, “unas pocas grandes líneas evocadoras, uno o dos detalles, elegidos sin preocuparme de la hora ni de la luz”. El autor francés Mathias Morhardt añadía: «En su interpretación de la naturaleza, buscaba sus aspectos más sutiles: los colores suaves y la melancolía oculta».

Vallotton tenía 48 años cuando estalló la guerra, y se sintió inútil cuando supo que era demasiado viejo para servir a su país de adopción (se había nacionalizado francés en 1900). Le afectó profundamente la violencia de los informes que llegaban del frente y, tras la victoria francesa en Verdún en 1916, Vallotton escribió: «De todo este horror emerge una perfecta nobleza; nos sentimos verdaderamente orgullosos de estar del lado de la humanidad, y pase lo que pase, el nombre de Francia rejuvenece con un resplandor desconocido hasta ahora». Los paisajes de Vallotton poseen una inquietante extrañeza que podría haber anticipado a los surrealistas. Con sus contornos audaces, sus colores aplanados y sus siluetas, imágenes como Les gerbes (1915) y L’église de Souain en silhouette (1917) siguen figurando entre las meditaciones simbólicas más conmovedoras sobre los efectos de la Gran Guerra.

El legado de Félix Vallotton

La observación fría y desapegada de la vida y la angustia psicológica de los personajes de Félix Vallotton permiten establecer similitudes con los cuadros y grabados de Edvard Munch, Edward Hopper e incluso el surrealista René Magritte. También hay fuertes resonancias con la visión cinematográfica del expresionista alemán Fritz Lang, con su llamativo uso de las sombras en claroscuro, y con los fríos interiores domésticos y los inquietantes espacios de Alfred Hitchcock, que llenó de personajes misteriosos y siniestros. Críticos e historiadores del arte han atribuido a Vallotton el mérito de resucitar el moribundo arte del grabado en madera, adoptado a partir de 1905 por artistas expresionistas como los alemanes Erich Heckel y Ernst Ludwig Kirchner. De hecho, desde la intervención de Vallotton, el grabado en madera se ha aceptado como un medio de expresión para los artistas modernos.

Bibliografía

• Brune Delarue. Félix Vallotton : Les paysages de l’émotion. Seuil, 2013
• Nathalia Brodskaïa. Félix Vallotton. Parkstone International, 2024
• Collectif. Félix Vallotton. 5 Continents, 2019
• Jean-Jacques Breton. Felix Vallotton : Il fut lui-même. Hugo Image, 2013