Purismo: después del cubismo.

Diez años después de que el cubismo sacudiera el mundo del arte con su deconstrucción de la imagen en formas geométricas simples y planos entrelazados, Edouard Jeanneret (conocido como el arquitecto moderno Le Corbusier) y Amédée Ozenfant modificaron su léxico y lo aplicaron a la pintura y la arquitectura francesas. Inventaron esta nueva variante, el purismo, que, en su función más elemental, proponía un nuevo tipo de arte en el que los objetos se representaban como formas poderosas desprovistas de todo detalle superfluo, publicando esta teoría en su libro Après le Cubisme (1918). Como el movimiento se desarrolló formalmente en el periodo posterior a la Primera Guerra Mundial, también se considera parte del clasicismo del periodo de entreguerras, un movimiento que enfatizaba los principios clásicos como una «vuelta al orden» de las fuerzas sociales y culturales.

El purismo reducía el tema del cuadro a las relaciones entre ángulos y formas geométricas, acentuadas por el color para lograr un efecto unificado. Estas formas «puras» se componían de sus cualidades intrínsecas y carecían de cualquier significado representativo. Esta tendencia impregnó todos los aspectos del arte, como la pintura, el diseño y la arquitectura. Con la llegada de la tecnología y la era de las máquinas, los artistas puristas trataron de conferir una cualidad atemporal a los temas mecánicos e industriales. Esto influyó en obras en las que las formas hacían referencia a formas antiguas y clásicas, sin decoración ni ornamentación adicional.

Purismo y naturaleza muerta

La naturaleza muerta se convirtió en una forma popular de articulación de las filosofías puristas. En este género, los artistas tomaban objetos típicos, u objetos cotidianos de su propio entorno, y los reducían a formas estéticamente agradables que enfatizaban la belleza sencilla del mundo moderno. En Nature morte, de 1920, Le Corbusier presenta varios tipos de objetos, entre ellos un instrumento de cuerda, dos botellas, una pila de platos blancos y un embudo, dispuestos en una composición ordenada para subrayar la solidez de las formas elementales. Estos objetos, tomados de la cocina, el salón y las instalaciones del edificio, están representados sin ningún detalle superfluo para crear una estética moderna que refleja tanto la funcionalidad como la racionalidad del entorno. El cuadro está unificado por su estructura arquitectónica, con los rectángulos de las paredes y la ventana del fondo, de los que se hacen eco el volumen sereno de un bloque de construcción en la parte inferior central del lienzo. El cuadro encarna lo que el historiador del arte Kenneth Frampton ha denominado la «ética icónica» del purismo. Los objetos se vuelven dignos, incluso majestuosos, reflejando la opinión del artista de que las producciones en masa del mundo moderno son estéticamente bellas.

La paleta, como escribió el crítico de arte Christopher Knight, «también deriva del cubismo….». La línea es más bien alta, en formas cuya nitidez se ve reforzada por bordes afilados, curvas claras y planos de luz nítidos. La vida de los sentidos es suplantada por la vida de la mente». Los cuadros de Le Corbusier se han estudiado principalmente, señala Knight, como «excursiones teóricas en un territorio que encontraría su expresión más convincente en el mundo de la arquitectura». En Naturaleza muerta con copa de vino tinto de Amédée Ozenfant de 1920-21, con unos pocos objetos, una guitarra, un mástil de instrumento musical y tres botellas sobre un fondo de planos grises, blancos y casi negros, refleja el énfasis del purismo en la solidez y simplicidad de los elementos formales. A diferencia de los bodegones tradicionales, que a menudo incluían plantas, flores y formas orgánicas, esta obra se centra en un entorno totalmente industrial. La botella oscura y el vaso transparente del primer plano están representados de perfil, mientras que sus aberturas se muestran desde arriba, un tratamiento cubista transformado en el énfasis del purismo en la geometría de círculos repetitivos.

El purismo rechazaba el embellecimiento excesivo que caracterizaba la noción burguesa de la belleza en la sociedad de la época. El movimiento, y en particular la defensa de Le Corbusier de la simplificación y la modulación de las formas, influiría en generaciones de artistas y arquitectos interesados en la producción en serie y el orden clásico en el arte, la construcción, el diseño e incluso la planificación urbana.

La naturaleza muerta fue el tema principal de Ozenfant y Le Corbusier, que compusieron imágenes de una variedad de objetos ordinarios, desde platos de cocina hasta probetas científicas, dispuestos como formas volumétricas y geométricas. La pintura de Fernand Léger sobre la forma humana añadió un nuevo tema al movimiento, y su tratamiento geométrico y mecanizado transformó el modo figurativo. A diferencia de los dos fundadores, que hacían hincapié en una especie de orden sereno, Léger introdujo lo que llamó «la ley de los contrastes», como escribió en 1923: «Reúno valores contrarios; superficies planas opuestas a superficies modeladas; figuras volumétricas opuestas a las fachadas planas de las casas; volúmenes moldeados de penachos de humo opuestos a las superficies activas de la arquitectura; tonos puros y planos opuestos a tonos grises y modulados, o al revés».

La primera exposición individual de Juan Gris en la Galerie de l’Effort moderne en 1919 le valió el apodo del «más puro» de los cubistas, por su énfasis en la composición geométrica, donde los elementos se aplanaban en un plano unificador, y posteriormente expuso con los puristas. La naturaleza muerta Botella y frutero muestra una serie de objetos, entre ellos una botella, un vaso y un frutero sobre un pedestal, dispuestos sobre los planos geométricos que se cruzan en una mesa. Los tonos reflejan la paleta de colores del cubismo sintético, con tonos cálidos de rojo, amarillo y marrón que contrastan con verdes y azules más fríos. Utilizados sobre grandes superficies delimitadas como por recortes, los campos de color crean un audaz efecto gráfico que también sugiere el collage. Las relaciones entre ángulos y formas geométricas cobran protagonismo, subrayadas por el color. La vibrante interacción entre los objetos refleja el bar como lugar de interacción social. Aunque no se identifica plenamente con el movimiento purista, el desarrollo de las obras cubistas de Juan Gris hacia 1920 y años posteriores le llevó a exponer con el movimiento.

Amédée Ozenfant

En 1915, Amédée Ozenfant, que se convertiría en el principal teórico y pionero del purismo, fundó la revista L’Élan con Guillaume Apollinaire y Max Jacobs. Al año siguiente, mientras dirigía la revista, empezó a formular los conceptos del purismo en artículos, sobre todo en su ensayo de 1916 titulado Notes sur le cubisme. Criticó el cubismo en varias obras, como escribió el historiador del arte Kenneth Silver: «Las formas y los medios del cubismo están destinados a parecer anticuados: para la indeterminación, la simultaneidad, la mutabilidad del tiempo y el espacio, los puristas lo sustituirán con algo estable y duradero». En 1917, en París, Ozenfant conoce al arquitecto y pintor Charles-Édouard Jeanneret, cuyas ideas impulsan al arquitecto a dedicarse principalmente a la pintura de 1918 a 1922. Trabajando en estrecha colaboración en el estudio de Ozenfant, los dos artistas se esforzaron por alinear todos los aspectos de su práctica artística con los principios del purismo, que preconizaba formas elementales desprovistas de detalles, al tiempo que se despojaban de todo elemento extraño. Se sintieron especialmente influidos por la obra de Paul Cézanne, escribiendo: «Cézanne dijo, después de que todos los grandes maestros le conocieran: Todo son esferas y cilindros».

La primera obra maestra purista de Ozenfant fue el cuadro La Carafe (1918). Su celo por el purismo también influyó en el pintor ruso Serge Charchoune, quien dijo de su primer encuentro con la estética de Ozenfant: «¡No creo que haya salido de él de una pieza!» Ozenfant describiría más tarde su compromiso con los ideales puristas como su «periodo de limpieza al vacío». Según la historiadora del arte contemporáneo y comisaria Carol Eliel, «es la metáfora perfecta de esta sensibilidad. Los artistas intentaban realmente reducir, pelar y deshacerse del exceso y no hacían distinción entre arte, arquitectura, diseño y urbanismo. Todo existía en una totalidad».

De corta duración, el purismo alcanzó su apogeo en el Pavillon de l’Esprit Nouveau de Le Corbusier, construido en 1925 para la Exposición International de las Artes Decortivas e Industriales de París (la exposición muy extensa, marcó irónicamente el nacimiento del movimiento Art Déco). Cápsula del tiempo perfecta para el movimiento, en la exposición participaron Le Corbusier, Ozenfant, Fernand Léger, así como los cubistas Juan Gris y Jacques Lipchitz, tras lo cual Ozenfant y Le Corbusier pusieron fin a su colaboración.

Edouard Jeanneret, Le Corbusier

Antes de cambiar de nombre, las aportaciones de Edouard Jeanneret (conocido como el arquitecto moderno Le Corbusier) al purismo se vieron influidas por sus estudios en la Deutscher Werkbund en 1910-11. Allí conoció las ideas del Jugendstil tardío de Hermann Muthesius, que abogaba por la Typsierung, o tipificación, es decir, el uso de modelos estandarizados que fueran a la vez adecuados para la producción moderna en serie y reflejaran un estilo alemán único. Durante sus estudios en el Werkbund, también se vio influido por el trabajo de Bruno Paul, que estaba desarrollando sus Typenmöbel, o «muebles típicos», en los que se podían ensamblar elementos prefabricados para crear una gran variedad de muebles. Más tarde, Jeanneret fue aprendiz de Peter Behrens, director artístico de la empresa eléctrica alemana AEG y pionero del diseño modernista e industrial. El purismo se inspiraba tanto en la Werkbund, que propugnaba una «obra de arte total» y un diseño aplicable a todas las artes, el urbanismo y la arquitectura, como en la «estética de la máquina» de Behrens. En 1923, Jeanneret había cimentado esta noción al cambiar definitivamente su nombre por el de Le Corbusier, reflejo de su nueva orientación hacia la arquitectura y su abandono de la pintura. El ambiguo nombre procede de la palabra francesa que significa cuervo.

En 1925, con motivo de la Exposición de Artes Decorativas de París, Le Corbusier construyó el Pavillon de l’Esprit Nouveau. El edificio, un cubo blanco levantado sobre columnas, o pilotes, con un atrio de entrada, encarnaba las ideas que el arquitecto había expresado en una serie de artículos publicados en 1923-1924. En una época en que el racionalismo estaba en crisis y se revisaban sus modos lingüísticos y expresivos, la obra de Le Corbusier fue una de las referencias más fértiles, influyendo profundamente en generaciones enteras de arquitectos.

Evolución posterior – Después del purismo

El purismo como movimiento llegó a su fin en 1925, aunque el uso que hizo Fernand Léger de las formas cilíndricas influyó en la escultura, como se aprecia en la obra de Henry Moore, así como en los pintores abstractos posteriores. El purismo influyó sobre todo en la arquitectura, y Le Corbusier se convirtió en uno de los principales arquitectos del siglo XX. Sus diseños y principios influyeron en arquitectos de todo el mundo e inspiraron el Estilo Internacional y el Brutalismo.

Los ensayos de Ozenfant sobre la «solidez del color» en la arquitectura, publicados en Architectural Review en la década de 1930, ejercieron una gran influencia en la Asociación de Arquitectos Británicos. El arquitecto David Medd adoptó muchos de los principios de Ozenfant en sus normas sobre el color, que se enseñaron en las escuelas de arte británicas durante las dos décadas siguientes. Ozenfant también fue influyente como profesor: abrió la Academia Ozenfant en 1932 y se trasladó a Londres en 1936. Entre sus alumnos de la Academia Ozenfant de Bellas Artes se encontraban Hamed Saeed, Leonora Carrington, Stella Snead y Sari Dienes.

Bibliografía

Pierre Guénégan. Le purisme et son influence internationale. Lanwell & Leeds Ltd, 2020
Collectif. L’Esprit Nouveau. Le Purisme à Paris 1918-1925. RMN, 2001
Françoise Ducros. Amédée Ozenfant. Éditions Cercle d’Art, 2022