Hard-edge (peinture à bords durs)

À la fin des années 1950, le critique d’art californien Jules Langsner commence à observer une tendance émergente dans l’art abstrait qui provient de la peinture en champs de couleur (Color field painting), mais qui tend à utiliser des lignes pures et des teintes contrastées. Il a choisi de mettre en lumière cette tendance en organisant une exposition intitulée Four Abstract Classicists à Los Angeles County Museum of Art, en 1959, à laquelle participaient les artistes Frederick Hammersley, Karl Benjamin, John McLaughlin et Lorser Feitelson. Langsner a inventé le terme « hard-edge colorforms » pour décrire les peintures exposées et, plus généralement, le nouveau style de peinture en champs de couleurs qui devenait populaire en Californie. Il pense que ce style rappelle l’abstraction géométrique de Piet Mondrian, Josef Albers, Ad Reinhardt et d’autres. Après Los Angeles, l’exposition a voyagé en Angleterre et en Irlande, où le critique britannique Lawrence Alloway a sous-titré l’exposition California Hard-edge painting. Bien que les quatre artistes de l’exposition de Langsner soient très différents, ils ont également été influencés par les compositions quasi unitaires, que l’on retrouve dans l’œuvre de Barnett Newman et d’autres peintres Color field.

Peinture Hard-edge : Concepts, styles et tendances

Hard-edge painting diffère grandement de son prédécesseur plus populaire, l’Action Painting, en ce sens que les artistes appliquent leurs peintures de façon spontanée et cherchent à éviter toute spiritualité ou expression de l’âme. Frank Stella est typique de ceux que l’on pourrait décrire comme des peintres hard-edge, et qui ont cherché à éviter le côté dramatique de l’Action Painting – comme lui, la plupart ont estimé qu’au milieu des années 1950, l’abstraction gestuelle devenait une manière qui était copiée par des légions d’adeptes moins talentueux, feignant l’angoisse et la perspicacité existentielle. De nombreux peintres hard-edge différaient également beaucoup des peintres traditionnels du Color field, car même si leur travail utilisait la couleur comme l’une de ses principales composantes, ils étaient davantage préoccupés par le design et la structure. En fait, bien que Kenneth Noland ait été élève de Josef Albers, qui a adopté la célèbre « interaction de la couleur », lui et d’autres comme lui ont souvent eu tendance à employer des couleurs qui n’ont pas réussi à s’accorder sur la manière envisagée par Albers. L’œuvre Opposing #15 (1959) de Frederick Hammersley est typique de cette stratégie, puisqu’elle utilise des primaires contrastées mais il lui manque toute forme d’interaction ou d’équilibre des couleurs. Hammersley a opposé des couleurs contrastées (principalement des primaires), ainsi que des formes géométriques de base qui semblent ne pas devoir interagir. Le résultat final présente l’une des caractéristiques de nombreuses peintures hard-edge, à savoir la présence de couleurs riches et saturées, de lignes nettes et d’une surface plane, ainsi qu’un désintérêt pour les relations entre les couleurs qui composent la peinture. Tout cela suggère le changement d’intérêt qui s’est produit lorsque la Color field painting a cédé le pas à l’Abstraction post-picturale ; la préoccupation pour le pouvoir expressif de la couleur a cédé la place à l’intérêt pour les phénomènes optiques.

Parmi les peintres hard-edge figurent Al Held (1928-2005), dont le monumental Echo est caractéristique, avec sa forme géométrique simplifiée. À l’image de nombreux peintres américains qui travaillaient dans les années 60, Al Held avait pour ambition de réaliser plus qu’une image exactement située au niveau de l’espace pictural. Il voulait donner naissance au sens spatial « non pas vers l’intérieur comme l’horizon d’autrefois, mais vers l’extérieur, en direction du spectateur ». Held vint à créer une sorte de géométrie librement expressionniste de formes aux contours affirmés, douées d’une présence sculpturale mais non modelées dans les trois dimensions. Établissant sa surface à l’aide d’une couche de matière épaisse, il cherchait à donner l’illusion de formes qui ne s’éloignaient pas du plan pictural mais qui jaillissaient vers l’avant.

Ellsworth Kelly (1923-2015) est probablement le plus célèbre des peintres hard-edge. Ses peintures se composent d’aplats de couleur rigoureusement séparés les uns des autres. Dans certaines toiles, une couleur en contient entièrement une autre, de sorte que le tableau se compose d’une image placée sur un fond. Dans d’autres toiles, la surface, pourtant de grandes dimensions, ne semble pas suffire à contenir la forme : arbitrairement coupée sur le bord, celle-ci se prolonge dans l’imagination du spectateur, comme dans Blue Green Red. Ce procédé permet de donner de l’énergie et de l’intérêt au tableau mais il y a quelque chose d’artificiel et truqué. En autre, l’« énergie » et l’« intérêt » sont des concepts picturaux traditionnels que Reinhardt, Albers et les peintres de l’Abstraction post-picturale, semblent tous déterminés à rejeter.

Par sa franchise directe et sa simplicité, la peinture de Matisse exerça une très grande influence sur de nombreux peintres américains des années soixante. À l’exemple de Matisse, des peintres tels qu’Ellsworth Kelly, Jack Youngerman (1926-2020) – dont le Totem Black, aussi gigantesque que l’Echo de Held, ressemble à un découpage de papier peint à grande échelle -, virent que des formes simples, peu nombreuses et si grandes qu’elles emplissaient toute la toile, avaient une force d’impact plus grande sur le spectateur qu’une multitude de formes fragmentaires ; Alexander Liberman (1912-1999) est surtout connu par son ensemble d’élégantes abstractions géométriques telles qu’Omega VI.

Développements ultérieurs – Après la peinture Hard-edge

En 1964, Langsner organise une autre exposition, cette fois à la Pavilion Gallery (également connue sous le nom de Newport Pavilion) à Newport Beach, en Californie. Combinant son terme original avec le sous-titre attribué par Alloway, Langsner appelle cette exposition California Hard-Edge Painting. L’exposition comprenait les quatre artistes originaux de Four Abstract Classicists (1959), ainsi que des artistes tels que Larry Bell, Helen Lundenberg et John Coplans. Mais il ne faut pas en déduire que le terme « hard-edge » était donc un point de référence établi pour les années à venir ; il était en concurrence avec plusieurs autres qui tentaient de décrire des travaux similaires à l’époque, notamment « One-Image painting » et « Systemic painting ». Certains conservateurs ont donc essayé d’éviter complètement les étiquettes descriptives et, en 1963, une exposition intitulée Second-Generation Abstraction a été organisée au Jewish Museum de New York. L’exposition comprenait 47 œuvres de neuf artistes : Al Held, Ellsworth Kelly, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Miriam Schapiro, George Ortman, Paul Brach et Raymond Parker. Cette exposition est importante car elle introduit des artistes new-yorkais dans l’école hard-edge de la peinture abstraite. Jusqu’alors, cette tendance n’était associée qu’aux artistes californiens qui étaient largement considérés comme des rebelles de l’école de New York. Bien que le terme « hard-edge » soit utile pour décrire les tendances de la fin des années 1960, il était à peine lancé que les artistes prenaient déjà de nouvelles directions, et il a cessé d’être utilisé lorsque la peinture abstraite a exploré de nouveaux problèmes dans les années 1970.