Paul Nash y el neorromanticismo
Paul Nash (Londres, 1889 – Boscombe, Hampshire, 1946), formado en la Slade School de Londres (1910), comenzó con obras románticas que evocaban el carácter visionario de los cuadros de William Blake, de Samuel Palmer y de los prerrafaelitas. Pintor oficial en el frente occidental en 1917, ilustró la destrucción de la naturaleza por el hombre en paisajes desoladores cercanos al universo infernal de Dante. Representante activo de la vanguardia entre las dos guerras, Nash fundó el grupo «Unit One» en 1933 y participó en la exposición internacional del surrealismo en Londres (1936).
Sus cuadros, influenciados por Cézanne y De Chirico, son paisajes que representan imágenes oníricas (Paisaje de sueño) y una yuxtaposición irracional de objetos reales e inventados (Paisaje nocturno, 1938). Nash es una figura destacada del neorromanticismo inglés: se retiró a Dorset para preparar la ilustración de un libro. Toma numerosas fotografías en las que las rocas y los árboles, debido al ángulo de visión elegido, se convierten en esqueletos y monstruos prehistóricos. Sus pinturas metafísicas se componen a partir de sus fotos y de los numerosos objetos arqueológicos que colecciona.
Con la Segunda Guerra Mundial, Paul Nash recuperó su inspiración inicial. Adscrito a la Royal Air Force, pintó cuadros de bombardeos aéreos de factura surrealista. Nash dedicó los últimos años de su vida a componer poemas en los que el símbolo del crecimiento y la metáfora de la flor ocupaban un lugar esencial. El cuadro Flor de magnolia (1944), fue una de sus últimas pinturas.
Obras comentadas de Paul Nash
La ruta de Menin (The Menin Road) de 1919: El título propuesto para esta obra era «Un campo de batalla en Flandes». Fue encargada por el Ministerio de Información en 1918, con el tema del heroísmo y el sacrificio, y debía exponerse en una sala conmemorativa dedicada a «temas relacionados con el combate, la vida cotidiana y la guerra en el mar y en el aire». Muestra una trinchera inundada, un suelo destrozado por los proyectiles, tocones de árboles y otros escombros, entre ellos alambres, metal y hormigón. Al fondo, el humo sugiere que la destrucción continúa. La magnitud de la devastación se ve aún más acentuada por los dos soldados del centro del cuadro, que intentan seguir una carretera que ya no existe. Cada centímetro cuadrado de la imagen está cubierto de escombros, y ninguno de los pequeños caminos que se entrecruzan llega al horizonte.
El propio Paul Nash sugirió la siguiente leyenda para el cuadro: «La imagen muestra una parte del campo cerca del pueblo de Gheluvelt, quizás el lugar más temido y funesto de todos los escenarios bélicos». Se trata de Ypres, en Bélgica, una región que quedó completamente destruida durante la Batalla de la Ruta de Menin. Se dice que la paleta de colores del cuadro se inspira en la pintura de los primitivos flamencos, mientras que la descripción del artista y crítico Wyndham Lewis, «una epopeya de barro», también evoca las imágenes de los tapices históricos que representan batallas.
Equivalentes para los megalitos (Equivalents for the Megaliths) : En 1933, Paul Nash visitó el pueblo de Avebury, en Wiltshire, al suroeste de Inglaterra. Quedó «entusiasmado y fascinado» por los monumentos neolíticos y los menhires que descubrió allí, en los que vio «una belleza mágica y siniestra». Pintó el paisaje en varias ocasiones con diferentes estilos y, en este caso concreto, introdujo la abstracción para resaltar aún más la sensación de misterio que sintió en el lugar.
En Equivalentes para los megalitos, Nash reinventa los menhires históricos en forma abstracta, típica de la escultura contemporánea. En una declaración sobre el cuadro, escrita en 1937, el artista evoca el doble atractivo de los monumentos: su impresionante valor histórico y su capacidad para representar épocas pasadas, así como su atractivo formal y geométrico («líneas, masas y planos, direcciones y volumen»). El artista consideraba que la historia y la geometría de estas piedras les conferían una presencia mística.
Paisaje de un sueño (Landscape from a dream), 1936-1938 : Este cuadro es considerado por muchos como la culminación de la respuesta personal de Nash al surrealismo, estilo que le interesaba desde la década de 1920. La obra se terminó poco después de que Nash visitara la Exposición Internacional del Surrealismo de 1938 y se inspira en la fascinación de los surrealistas por Freud, así como en sus principales teorías sobre el poder de los sueños. El cielo dominado por las nubes y los objetos centrales situados en un paisaje místico recuerdan la obra de René Magritte. Magritte influyó durante mucho tiempo en Nash, quien volvió a él hacia el final de su carrera pintando su serie «Aerial Flower» (flores aéreas).
El cuadro Paisaje de un sueño muestra un halcón contemplándose en un espejo, en el que también se ve un paisaje y varias esferas. Paul Nash explicó más tarde el simbolismo de cada uno de los elementos del cuadro: el halcón representa el mundo material y las esferas, el alma. El artista e historiador Roland Penrose elogió Paisaje sacado de un sueño, estableciendo un paralelismo entre el pájaro que se mira en el espejo y el espectador que contempla el cuadro. Escribió que, al igual que el pájaro «se mira en un espejo, esperando a que la imagen se mueva para saber cuál de los dos está realmente vivo, si él o la imagen ». Esta idea de movimiento se vuelve más compleja si se tiene en cuenta que Nash pintó el pájaro a partir de una escultura egipcia. Así, el halcón «real» está inmóvil y el halcón en vuelo en el espejo, es una ilusión. La escultura a partir de la cual se pintó el halcón hoy adorna la tumba del artista.
La batalla de Inglaterra (Battle of Britain), 1941 : Paul Nash pintó esta obra durante la batalla y explicó que contiene elementos característicos como el sinuoso río que atraviesa el árido campo, los cúmulos tras un día de verano y las estelas de los aviones en el cielo, tanto los que siguen volando como los que se incendian y caen. Se puede ver a la fuerza aérea alemana (Luftwaffe) avanzando en formación, mientras que, entre las estelas de condensación, las nubes, el humo, los paracaídas y los globos, los pilotos británicos de la RAF dispersan estas fuerzas en el centro del cuadro. Los aviones británicos se elevan casi desde el suelo, lo que confiere al paisaje más grandiosidad, poesía y dignidad que en las anteriores pinturas de batallas de Nash, más devastadoras.
Típico de la obra de Nash en esa época, el cuadro no es totalmente fiel a la realidad, sino que adquiere una dimensión imaginativa y simbólica, que se manifiesta en parte por las diferencias de escala entre la acción en el cielo y el paisaje debajo. En lugar de representar una escena de batalla concreta y realista, el cuadro evoca un conflicto aéreo dramático a gran escala. Nash escribió: «El cuadro es un intento de dar una idea de una batalla aérea que se desarrolla en una amplia zona y resume así la gran victoria aérea de Inglaterra sobre Alemania». En este sentido, podría considerarse una obra patriótica.
La batalla de Alemania, 1944 : Se trata de la última pintura que Paul Nash realizó en el marco de su trabajo oficial para el Comité Asesor de Artistas de Guerra (WAAC). El artista decidió pintar una ciudad alemana bajo el fuego de los bombardeos aéreos. Para ello, tuvo acceso a los informes de las tripulaciones que habían participado en los ataques aéreos alemanes. A pesar de esta exhaustiva investigación, quedan muy pocos rastros de ella en este lienzo esencialmente abstracto.
La composición de La batalla de Alemania se divide entre «el suspense de la ciudad en espera bajo la luna tranquila pero siniestra» a la izquierda, y la ciudad bajo los bombardeos a la derecha. La primera parte se caracteriza por la calma y la tranquilidad, mientras que la segunda muestra el cielo y el mar «violentamente revueltos». En el centro, el humo y las llamas rojas se ciernen sobre la ciudad, mientras que las manchas de color sugieren otras explosiones y perturbaciones atmosféricas. El grupo de pequeños círculos en primer plano representa paracaídas, que reflejan de manera conmovedora y poética la forma de la gran luna. En general, el cuadro se considera la cumbre de la abstracción en la obra del artista.
Eclipse del girasol (Eclipse of the Sunflower), 1945 : Este cuadro forma parte de una serie de cuatro en los que Nash quería utilizar el ciclo de vida del girasol para representar el sol en el cielo, haciendo referencia a su ambición de «exaltar» la imagen del girasol. El fondo negro podría haberse inspirado en las ilustraciones de William Blake, con detalles que recuerdan a pinturas de paisajes más antiguas, como las formaciones nubosas y las ondas pictóricas de la esquina inferior derecha. También da la impresión de que el ciclo de vida del girasol refleja las fases menguantes y crecientes de la luna. Así, el cuadro ilustra uno de los principales intereses de Nash, a saber, la muerte y el renacimiento, así como la continuidad de las fuerzas naturales.
El artista, que se interesó especialmente por la idea de renacimiento a través de la muerte (inspirado por la poesía y los mitos religiosos), se vio influido en particular por la obra de James Frazer, The Golden Bough (1926), que describe un ritual estival que consiste en hacer rodar «bolas de fuego» por una colina para imitar el movimiento del sol, y por el magnífico poema de William Blake, «Ah! Sunflower» (1794). Con los ciclos de la vida en la naturaleza en mente, Nash escribió en su ensayo Aerial Flowers (publicado póstumamente en 1947): «Personalmente, creo que si la muerte puede traernos [una solución], entonces la muerte será beneficiosa».
El legado de Paul Nash
A lo largo de su carrera, Paul Nash se consideró el sucesor de J.M.W. Turner y de William Blake. Al igual que estas figuras que le precedieron, intentó capturar el «espíritu» de la campiña inglesa y, según la conservadora Jemima Montagu, «supo desarrollar una forma de expresión única que partió de una idea del paisaje inglés, pero que acabó definiéndolo». Su profundo apego al campo, su romanticismo discreto y persistente, así como su interés por el ciclo perpetuo del tiempo, confieren a la obra de Paul Nash un carácter típicamente inglés.
También fue influido por los artistas Samuel Palmer y Dante Gabriel Rossetti y, al igual que todos ellos, logró dar a conocer el arte inglés en la escena internacional. Aunque nunca se adhirió a ningún movimiento modernista, Nash trabajó y mantuvo vínculos con algunos de los artistas británicos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Durante el verano de 1914, antes de alistarse en el ejército, trabajó con Roger Fry en los Omega Workshops. En 1933 fundó el grupo Unit One con Ben Nicholson y Barbara Hepworth.
El talento de Paul Nash se hizo especialmente patente en su trabajo como artista de guerra, un papel que él mismo ayudó a definir. Como soldado y artista, Nash retrató en sus pinturas con una honestidad sobrecogedora los efectos devastadores de la guerra, y en particular su impacto en el paisaje. Nash también produjo grabados, litografías, libros, tejidos, alfombras, objetos de vidrio, cerámicas y decoración de interiores. De hecho, se puede decir que la carrera artística de Nash está llena de contrastes sorprendentes. Resulta bastante irónico que sus obras más famosas, que muestran el horror y la destrucción de la guerra, hayan sido financiadas por organismos gubernamentales, la Oficina de Propaganda de Guerra y el Ministerio de Información, precisamente las instituciones con las que estaba en desacuerdo ideológico, ya que, en general, se oponía a la guerra.
Bibliografía
- Michael Kerrigan. Paul Nash: Masterpieces of Art. Flame Tree Publishing, 2025
- James King. Paul Nash Designer and Illustrator. Lund Humphries, 2022
- Roger Cardinal. The Landscape Vision of Paul Nash. Reaktion Books, 2016
- Andrew Causey. Paul Nash: Landscape and the Life of Objects. Lund Humphries, 2016
