Europa y la moda japonista
El japonismo es un término acuñado en 1872 por el crítico de arte Philippe Burty para referirse a la fascinación que el arte japonés ejercía sobre los artistas occidentales. Al presentar el mundo desde una perspectiva diferente a la del Renacimiento occidental, la introducción del arte y el diseño japoneses en Europa provocó revoluciones en materia de composición, paleta de colores y espacio perspectivo. El japonismo, a menudo denominado con el término francés «japonisme», hace referencia a la integración de la iconografía o los conceptos del arte japonés en el arte y el diseño europeos. Los artistas se inspiraron en gran medida en su descubrimiento del ukiyo-e (movimiento artístico japonés, que se traduce como «imágenes del mundo flotante») y otras formas de arte japonés. Es importante señalar que esta integración se basaba a menudo tanto en las nociones europeas sobre la cultura japonesa como en una influencia auténtica.
Los impresionistas y el grabado japonés
La mayoría de los artistas impresionistas y postimpresionistas, así como los miembros del movimiento estético, se vieron profundamente influenciados por este nuevo enfoque de la representación. El Retrato de Émile Zola realizado por Manet es, en realidad, un conjunto cuidadosamente compuesto de símbolos y referencias en la yuxtaposición de las reproducciones de su cuadro Olympia y del grabado de un luchador de sumo. A la izquierda, se vislumbra parcialmente un biombo japonés que representa un paisaje y un pájaro posado en una rama. Sin embargo, Manet no se limita a introducir estos objetos exóticos en el retrato: integra en la composición elementos de estilo japonista.
James Whistler y Van Gogh compartían una fascinación común por la estética japonesa y ampliaron los límites de lo que podía ser este arte. Pintado con pinceladas muy visibles y colores vivos, el Retrato del padre Tanguy de Van Gogh aparece ante un fondo de grabados japoneses. Había descubierto el ukiyo-e cuando aún vivía en Amberes; al instalarse en París en 1886, Van Gogh comenzó a estudiar la pintura impresionista y a coleccionar grabados japoneses junto a su hermano Theo. Los grabados que aparecen al fondo del retrato forman parte de la colección que habían reunido los dos hermanos.
París, Museo Rodin.
Este retrato no solo revela el interés de Van Gogh por el japonismo, sino que además lo utiliza para plasmar el carácter de Tanguy, que aparece como un sabio introspectivo. De hecho, la estabilidad de este comerciante y generoso mecenas (quien a menudo aceptaba cuadros a cambio de material) queda sugerida por la forma en que Van Gogh hace que el sombrero de Tanguy se funda con el grabado del monte Fuji que hay detrás de él.
A diferencia de otros artistas que incorporaban accesorios o prendas japonesas en sus cuadros, Degas evita cualquier referencia evidente al japonismo. Sin embargo, al igual que muchas de sus representaciones del París del siglo XIX, están profundamente impregnadas de lo que él consideraba los principios japoneses de composición y perspectiva. En La clase de danza (1874), el lienzo alargado, el énfasis en las diagonales asimétricas de la pared, las grandes superficies de color y el uso de la perspectiva aérea reflejan la influencia de los grabados ukiyo-e.
La pose de la bailarina inclinada hacia delante está directamente inspirada en Hokusai, quien solía representar a sus personajes en pleno movimiento. Degas adoptó este enfoque de las poses figurativas para crear una mayor sensación de espontaneidad e instantaneidad, conceptos que constituían la esencia de su estilo impresionista.
En 1890, tras descubrir los grabados ukiyo-e en la Escuela de Bellas Artes de París, Mary Cassatt inició una serie de diez grabados en color, inspirados en las estampas de Kitagawa Utamaro que representaban momentos de la vida cotidiana de las mujeres. En la obra La caricia materna (1890), con su primer plano vacío y su sencillo fondo representado mediante amplias superficies de color, destaca la silueta de una joven madre. Cassatt exploró la composición y la planitud propias del medio del grabado.
Nueva York, Metropolitan Museum.
El dibujo de la silla blanca con motivos florales (motivo que se repite en el papel pintado) contrasta con el niño al que abraza, creando un juego entre las formas bidimensionales y tridimensionales. Esta compresión del espacio por Cassatt, se acentúa aún más por el encuadre de la imagen, que limita la vista a una serie de motivos repetitivos. De este modo, la línea y el color se convierten en el punto central, subrayando la íntima relación entre la madre y el niño.
Whistler y la Sala del Pavo Real (The Peacock Room)
Cuando Japón inició sus intercambios comerciales con Europa, la estética y las filosofías del diseño japonés se pusieron rápidamente de moda. Los coleccionistas europeos adquirieron tanto objetos de arte de alta gama como grabados baratos (que, en realidad, servían originalmente como material de embalaje para productos de lujo frágiles). James Whistler, artista del japonismo, se inspiró en gran medida en su descubrimiento del ukiyo-e y otras formas de arte japonés. En la obra titulada Rose and Silver, situada en una estancia llamada Peacock Room (Sala del Pavo Real), James Whistler tomó este cuadro como elemento central a la hora de diseñar todo el conjunto.
Enmarcada en el corazón de una geometría compleja, la obra de Whistler presenta también un estilo japonista tanto en su iconografía como en su composición. Con un abanico japonés en la mano derecha y vestida con un kimono con motivos florales, la protagonista refleja directamente la influencia de Kitagawa Utamaro. El cuadro y su entorno están concebidos para formar un todo armonioso.
La Peacock Room fue diseñada por James Whistler para realzar la excepcional colección de porcelanas chinas de Frederick R. Leyland, un acaudalado magnate del transporte marítimo. En el siglo XX, la obra de Whistler influiría en expresionistas abstractos como Robert Motherwell y David Smith.
Los nabis y el japonismo
A partir de los años 1890, la influencia del arte japonés alcanzó su punto álgido entre los Nabis: en este sentido, Vuillard, Denis o Vallotton no tienen nada que envidiar a Bonnard, el «Nabi japonista». Apasionado por las artes japonesas, Bonnard se adhirió desde muy pronto y de formas muy variadas a este imperativo decorativo. Tras realizar dos biombos de un japonismo exacerbado (Marabú y chimenea con ranas y patos, garza y pavos reales, 1889), creó cuatro paneles conocidos como Mujeres en el jardín, cuyo tratamiento del espacio se inspira directamente en los kakemonos, literalmente «objeto colgado», pintura o caligrafía japonesa concebida para ser colgada en la pared.
A esta fusión entre lo decorativo y el idealismo, se sumaban los ecos de rasgos formales procedentes de otros ámbitos, en los que los Nabis contribuyeron de manera decisiva a la apertura de nuevas prácticas artísticas.
Lausana, Fundación del Hermitage.
Así, Bonnard, quien, junto con Toulouse-Lautrec, contribuyó a dotar al cartel de una expresión propiamente moderna, vinculando su arte gráfico con su pintura, en la exaltación de estilo japonés que ambos compartían por el espacio bidimensional. Encargado por el propietario de la famosa sala de baile de Montmartre, el cartel Le Divan Japonais de Toulouse-Lautrec, que celebraba la renovación del local del mismo nombre en 1893, está realizado en estilo japonés.
A excepción del título, que retoma el nombre de la sala, la obra de Toulouse-Lautrec no hace ninguna referencia evidente al arte japonés, sino que se inspira en sus principios para inventar un diseño gráfico moderno. En este caso, el japonismo se expresa a través del propio estilo del cartel. Este recrea la atmósfera imitando ciertos aspectos de los grabados japoneses, en particular las siluetas marcadas, la planitud pictórica, la paleta reducida y las diagonales asimétricas de la composición.
El interés por el japonismo
Los artistas que buscaban una alternativa innovadora a la tradición de la pintura ilusionista del primer Renacimiento, quedaron cautivados por los colores vivos y las nuevas perspectivas de los grabados japoneses sobre madera, los ukiyo-e. Aunque estas imágenes seguían siendo realistas, su paleta simplificada, sus puntos de vista inusuales, sus composiciones minimalistas y su espacio aplanado inspiraron a los pintores europeos y estadounidenses a experimentar con nuevas composiciones. Las representaciones de la vida neoyorquina realizadas por Childe Hassam eran muy apreciadas por la clase acomodada estadounidense, que admiraba la forma en que su enfoque impresionista suavizaba y embellecía el paisaje urbano.
Washington, Smithsonian Museum of American Art.
La obra Tanagra de Childe Hassam, aunque se trata principalmente de una escena de interior, yuxtapone este refinado espacio doméstico con la ciudad moderna, visible a través de las cortinas abiertas. En el centro del cuadro, una mujer elegante sostiene una pequeña escultura, identificada en el título como una tanagra, estilo de terracota de la Antigua Grecia que había gozado de gran éxito en el siglo XIX. La estancia está lujosamente decorada, destacando un biombo japonés con motivos elaborados y un cuenco de porcelana azul y blanca colocado sobre una mesa. El japonismo presente en esta obra refleja el esplendor de un mundo lejano y exótico, pero también la de un mundo que pertenece al pasado.
Las emblemáticas representaciones de mujeres de Gustav Klimt revelan claramente la influencia de los grabados japoneses, visible en el kimono y el abanico abierto del cuadro Mujer con abanico. Esta obra recuerda a Flores de ciruelo rojas y blancas (principios del siglo XVIII) de Ogata Kōrin por su uso de un fondo similar al pan de oro, líneas arabescas, motivos curvilíneos e imaginería floral. Sin embargo, el japonismo de Klimt se atenuó en cierta medida a principios del siglo XX: los dragones son un motivo tomado de la cultura china, y los mosaicos bizantinos también inspiraron su uso de fondos dorados. La escuela japonesa Rinpa también desempeñó un papel importante en la creación de sus retratos altamente estilizados y decorativos.
Flores de ciruelo rojas y blancas, siglo XVIII, Ogata Kōrin, Atami, Museo MOA.
Al estudiar las estampas japonesas, los pintores comenzaron a explorar nuevas ideas sobre la perspectiva. Copiaron las yuxtaposiciones habituales de objetos cercanos y lejanos, así como encuadres poco convencionales, con el fin de crear composiciones menos simétricas y más seductoras. Esto, combinado con esquemas cromáticos de colores yuxtapuestos —a menudo representados sobre planos uniformes que recordaban a las xilografías—, generó un efecto de aplanamiento que se convirtió en un elemento central de la pintura modernista.
El atractivo del japonismo resultaba paradójico: por un lado, se valoraba su exotismo, pero, al mismo tiempo, se asimiló rápidamente como una expresión orgánica de los ideales artísticos occidentales. Los elementos del estilo japonés se interpretaban como una manifestación de las sensibilidades francesa y británica, incluso cuando seguían siendo reconocibles como influencias asiáticas.
Bibliografía
- Sophie Basch. Le Japonisme, un art français. Presses du Réel, 2023
- Collectif. Mondes Flottants: Du Japonisme à l’Art Contemporain. In Fine éditions d’art, 2024
- Christine Guth. El arte en el Japón Edo. Ediciones Akal, 2009
- Adele Schlombs. Hiroshige. Taschen, 2021
